Artiste trans·disciplinaire passionné·e par la dramaturgie de l’espace, les questionnements philosophiques sur l’identité et l’exploration des formes d’expression variées. Mon travail fusionne le cirque, le texte et la danse pour créer de nouveaux récits. Je cherche à transcender les stéréotypes circassiens des belles femmes et des hommes forts et à déconstruire les thèmes qui m’animent à travers le mouvement, l’espace et l’image. Dans mes créations j’explore des questions d’identité, à travers le corps et le texte. A travers la danse, le cirque, et la musique nous explorons comment les histoires que nous racontons façonnent notre vision du monde et de nous-mêmes.

Catarina Barbosa est la co-fondatrice de la compagnie AWA – As We Are. Le travail d’AWA est principalement inspiré par les questions sociales contemporaines, les nouvelles technologies, l’identité, le féminisme et notre place dans la société. La mission d’AWA est de créer des espaces pour le public afin d’échanger autour du mouvement. La compagnie utilise les technologies modernes et explore les questions de genre et d’identité pour aborder des thèmes qui résonnent profondément dans nos sociétés actuelles.

Alicia cherche à repousser les frontières de la technique et de la forme, s’inspirant de son parcours en hip hop et en popping. Son approche chorégraphique repose sur la déconstruction ludique des codes du mouvement, s’immergeant dans un vaste champ de possibilités pour laisser émerger des découvertes expressives. Guidée par une philosophie de profondeur, de simplicité et de répétition, Alicia aspire à révéler des expériences universelles à travers son travail, créant des liens avec les spectateurs et les autres danseurs. Elle collabore actuellement étroitement avec Benoit Callens.

Clio Van Aerde est une artiste transdisciplinaire qui met en lumière les nuances souvent ignorées de la vie quotidienne, explorant l’entrelacement des humains, des non-humains et des espaces qu’ils occupent. Son travail s’intéresse aux potentiels poétiques et subversifs de ces interactions, créant des environnements d’oisiveté, d’absurdité et de réflexion critique. Au cœur de son approche se trouvent des expériences incarnées, une conscience spatiale aiguë et une exploration de la temporalité. Ancrée dans des perspectives posthumanistes et féministes queer, la pratique de Van Aerde remet en question les normes de productivité, cherchant à transformer les perceptions du travail et de la performativité quotidienne tout en imaginant des réalités alternatives.

Isaiah Wilson est un artiste expérimental basé au Luxembourg. Son travail combine la danse contemporaine, la vidéo, la composition de musique électronique et l’art numérique. Cette diversité de supports permet à Isaiah de créer des mondes uniques et immersifs dans lesquels il invite son public à vivre des expériences sensorielles à plusieurs niveaux, conçues pour révéler leur vulnérabilité et éventuellement les rapprocher d’eux-mêmes. Isaiah met un point d’honneur à ce que le public fasse partie de l’espace et, par conséquent, de la performance, que ce soit par la nature des sites qu’il choisit ou en réimaginant pour chaque performance le cadre dédié au spectateur. Isaiah crée des objets qui défient le corps humain, le plongeant dans des mondes qu’il construit à partir du chaos et de l’espoir. Dans une approche existentialiste et absurde, Isaiah désire explorer les multiples facettes des émotions humaines face aux avancées technologiques du XXIème siècle.

Giovanni se base sur les relations et le dialogue de l’humain à travers la danse. Son approche artistique multidisciplinaire se concentre sur la confiance du corps, guidée par son énergie inhérente où apparaissent les images, les mouvements et les émotions. Fasciné par la complexité de l’être humain, son travail explore l’instinct, l’identité et l’authenticité du mouvement, le transposant dans un univers poétique et absurde. Ces oeuvres se transposent dans des sujets sociaux, philosophiques, émotionnels et intemporels afin de les matérialiser dans un univers à la fois onirique et réel, entrechoquant le tragique et le comique, l’attendu et l’inattendu, la distorsion avec la grâce pour les faire rencontrer dans l’espace, le temps et les moments présents et en faire surgir l’humain par la danse.

Intéressé par la recherche, le partage et la transmission, il porte une importance à l’accessibilité de la danse, mêlant les différents arts et univers qui lui permettent de se rapprocher du public afin d’élargir et établir des possibilités artistiques. Son écriture et son langage chorégraphique sont en constante évolution, se questionnant à travers la curiosité et l’exploration afin d’affiner et de développer son univers.

« Je suis fascinée par la notion de tension absolue, inhérente à notre condition humaine ; cette idée tordue de besoins corporels versus vie spirituelle.

Je suis intéressée par les états émotionnels et physiques, et la manière dont ils génèrent le mouvement. Je suis intéressée par la collision entre le gracieux et le dissonant, le comique et le tragique, le grotesque et le transcendant.

L’aller retour constant entre la forme et le fond, le geste brutal.

Les constructions culturelles, les pulsions étouffées et l’absurdité de notre condition humaine dans sa forme la plus bizarre sont au centre de mon travail.

La danse y devient un outil pour questionner ce qui est insaisissable : cette chose qui nous rend pleinement humain ».

Par la sensualité, l’humour et la solidarité, la pratique de Tania et son travail s’inspirent de l’animisme et sont motivés par un réenchantement poétique, tout en étant en dialogue avec l’écologie politique, le féminisme, le décolonialisme et les théories et pratiques queer. Suite à des tensions, des blessures, des problèmes, des questions, des curiosités et des désirs, elle se préoccupe de régénération au niveau individuel, social et planétaire, parfois à travers la collectivité, la joie ou en utilisant l’imagination fictive pour faire face au présent et créer des possibilités.

Elisabeth Schilling crée des danses au-delà de la danse. Avec une équipe internationale et à travers différentes collaborations, elle conçoit des projets transdisciplinaires entre le mouvement, le design, les arts visuels et plastiques et la musique, faisant danser les disciplines entre elles et les unes avec les autres. De cette façon, la danse contemporaine se produit dans des espaces de danse établis ainsi que dans des lieux inhabituels. Ainsi, les productions tournent aussi bien dans les métropoles européennes que dans des zones plus rurales, dans des théâtres clandestins, des musées, des galeries, des salles de concert, des bâtiments historiques et des espaces publics. La danse est ainsi, presque en passant, rendue accessible à un nouveau public. Parallèlement, une part importante de son travail consiste en différents formats d’apprentissage créatif. Pour chaque production, elle élabore un programme à l’intention de différents publics, allant de discussions spécialement conçues avec le public après les représentations à des ateliers d’accompagnement, des symposiums et des catalogues.

« Artiste de danse et mouvement. Des thèmes récurrents dans l’œuvre d’Annick Schadeck sont la transformation, les frontières entre l’organique et l’inorganique, du mouvement et de l’immobilité, du temps et de l’espace, des couleurs et de la musique.

En quoi un mouvement est-il constitué à un moment donné et qu’en reste-t-il après sa disparition? Qu’est-ce qui constitue l’avant et l’après? Comment affecte-t-il le présent et comment se rapporte-t-il au temps et à l’espace?

Comment traduire la nature à travers un travail artistique? Comment la nature traduit-elle la forme humaine?

Que pouvons-nous tirer d’expériences momentanées et comment pouvons-nous les appliquer à des conclusions plus larges sur des questions de société et du vivre ensemble.»

« Après avoir suivi une formation en danse classique, jazz et moderne au Luxembourg, Valerie Reding a étudié l’Architecture à l’École polytechnique fédérale de Zurich (ETHZ) et les Arts et Médias aux Universités des Arts de Zurich (ZHdK) et de Vienne (Angewandte). Parallèlement à ses études universitaires, elle a travaillé internationalement en tant que make-up artist dans la mode et le film, et a exploré l’art du drag dans le monde de la nuit à San Francisco et Zurich. Aujourd’hui, elle combine toutes ces expériences dans sa pratique artistique éclectique et transdisciplinaire qui combine et oscille entre le mouvement, la performance, la photographie, la vidéo, le texte et l’installation. Elle travaille de manière indépendante ou en collaboration avec d’autres acteuric.e.x.s culturel.le.x.s dans des contextes variés, allant des espaces aalternatifs aux théâtres, galeries et autres institutions culturelles, défiant toute forme de catégorisation du monde de l’art.

Intrigué.x par les complexités et les intersections entre le corps, la psychologie humaine, les relations interpersonnelles et les rrelations de pouvoir qui traversent nos sociétés et identités, Valerie Reding invoque le potentiel de la vulnérabilité, de l’auto-fiction, de la transformation, des rituels et du „camp“ pour explorer nos subjectivités et relationnalités avec une approche intersectionnelle sensible et remplie d’humour. »

« En tant qu’observateur attentif, je m’inspire d’instants fugaces du quotidien : un échange de regards, un mot échangé entre inconnus dans un lieu public. Mon travail s’enrichit également de l’œuvre d’autres artistes et des événements marqués par mes expériences personnelles et mon ressenti.

J’aime explorer la danse en fusionnant les gestes ordinaires avec des mouvements chorégraphiques. En transformant la simplicité de nos gestes en expressions émotionnelles, je crée des personnages qui naissent d’une recherche de mouvement, alliant spontanéité et propositions artistiques plus structurées.

Mon art vise à créer des atmosphères cinématographiques. Bien que mes œuvres s’inspirent de faits réels, je désire transporter le spectateur dans un univers parallèle, hors du quotidien, ne serait-ce que pour un instant. 

Je suis profondément fasciné par les rêves et leur absurdité. C’est cette étrangeté onirique que je cherche à capturer, en la mêlant à un imaginaire fantaisiste et à la réalité tangible que nous vivons chaque jour.

Même si je ne lis pas de poésie et que je n’en connais pas, je m’efforce de trouver une forme de poésie visuelle dans mes créations, une sorte de langage esthétique propre à mon univers.

Enfin, dès que l’occasion se présente, j’aime enrichir mes œuvres en y intégrant la création de costumes, qui complète et intensifie l’univers que je propose. »

« Dans mon travail, je m’intéresse à dire et à faire face à l’incertitude, au désordre, à l’irrésolu et à la complexité. Je souhaite décloisonner les espaces pour mieux me confronter à l’inconnu. Je cherche à créer des mondes percutants et existentiels, à la frontière entre la fiction et une réalité exacerbée. Surréaliste et fondamentalement ludique, ma pratique englobe la danse, le théâtre, la performance, les arts visuels, le dessin et l’écriture.  »

« Ma curiosité réside dans la nature des interactions humaines, le potentiel de la danse à dépasser la linguistique, le genre, les barrières culturelles pour créer de nouveaux modes de connexion. J’utilise la narration pour atteindre chaque regard selon son expérience du Réel. Humour, insolence, et émotion pour questionner et explorer ce que signifie le fait d’Être dans tous ses paradoxes. Créer un lien direct entre le spectateur et l’œuvre. La danse est un média grâce auquel liberté, émotion et imagination peuvent être explorés pleinement, générer un questionnement sur nos habitudes, modes de fonctionnement, zones de confort. Elle nous permet de créer et de découvrir de nouvelles voies pour nous relationner au réel.

À un niveau plus personnel, la danse est une exploration de mon rôle et de mes objectifs dans le paradoxe de la vie, une création de sens là où il n’y en a pas, c’est découvrir l’absurde et magnifique nature d’être en vie. »

« Sergio Mel, en tant que danseur, fonde son art sur la relation avec l’espace extérieur, dans un puissant mélange d’intensité et de fluidité, à la fois expressif et émotionnel. En tant que chorégraphe, son identité porte la marque de toute son expérience artistique, multiculturelle et pluridisciplinaire. Stimulé par les arts de la scène en général, il les croise pour créer un univers unique et plein d’énergie. »

Hannah Ma travaille comme interprète, chorégraphe, conservatrice, mentor et productrice, principalement en Allemagne, au Luxembourg et en Afrique du Sud. Elle est directrice artistique de hannahmadance et de The People United. La pratique artistique d’Hannah Ma est largement ancrée dans un contexte féministe, antiraciste et philosophique. Elle se concentre sur la narration intersectionnelle, la représentation de récits à perspectives multiples, ainsi que sur la recherche artistique et la performance sensibles à la discrimination. En plus de son travail dans les arts du spectacle, Hannah Ma travaille également dans les soins palliatifs et comme coach pour la transformation somatique et les processus de décolonisation.

« Le travail de Yuko Kominami consiste à expérimenter des mouvements situés dans l’entre-deux (mouvements du devenir) où les intensités des individus se croisent. C’est un lieu où se matérialisent des existences extrêmes et des métamorphoses inévitables. Et à travers ces expériences, elle vise à affirmer les connexions multiples et fragmentées d’une « vie ». »

« En tant que danseuse et interprète, je suis très intriguée par l’intelligence du corps et de ce fait par sa métamorphose dans l’espace et le temps. J’explore les limites en me demandant si ce sont réellement des limites.. J’aime observer longuement et après lâcher prise.»

« J’aime travailler avec le mouvement, l’art et la science d’une manière organique. Développant une recherche de la danse axée sur la science du mouvement, je me concentre actuellement sur l’exploration du tissu conjonctif fascial comme matrice vivante pour ré(dé)affiner l’entraînement, la performance et la création. Les résultats sont des pièces chorégraphiques contemporaines où la pensée analytique soutient et défie le mouvement formel et informel.»

« Je me concentre principalement sur le corps et son potentiel intrinsèque de transformation ; son statut et son rayonnement dans la société, ainsi que sa présentation, sa représentation et sa perception sur scène. Mon travail se caractérise par un langage gestuel précis, incarnant et matérialisant des questions identitaires et des thèmes en phase avec notre époque pour les transmettre auprès du public. »

«HANI DANCE est une compagnie d’art du mouvement dynamique qui célèbre la diversité culturelle à travers des pièces de danse innovantes. Sous la direction de Saeed Hani, nous explorons les thèmes de la force, de l’esprit et de l’intellect et donnons vie à nos spectacles grâce à nos créations. En utilisant l’art nu, l’art visuel et la danse contemporaine, nous créons des récits captivants enracinés dans l’histoire et l’expérience humaines. Avec une grande attention aux détails, nous mettons en scène des mouvements qui repoussent les limites et invitent le public à se connecter profondément à nos histoires. À travers notre art, nous cherchons à stimuler l’imagination et à inspirer une réflexion sur la beauté et la complexité de la condition humaine.»

« Installée au Luxembourg et dans le Gard, la cie Eddi van Tsui revendique une pluridisciplinarité entre danse, musique, théâtre, installations et vidéo. Foisonnante, ayant à son actif plus de 50 projets à la jonction de la création scénique et des arts plastiques, elle fait appel à des structures narratives qui, oscillant entre abstraction et réalité, laissent place à l’interprétation et à la réflexion.

La compagnie est portée par trois artistes. Inspirée par le théâtre d’image, le théâtre documentaire et la danse contemporaine, Sandy Flinto met en scène les pièces du trio qu’elle co-écrit et dont elle fait la direction chorégraphique. Depuis 2010, Pierrick Grobéty se spécialise dans le spectacle vivant et l’installation. Il y développe des dispositifs sonores et musicaux conceptuels et techniques spécifiques à chaque projet. Daniel Marinangeli analyse la société contemporaine et la condition humaine pour la retranscrire à travers l’écriture et la construction dramatique. »

 

L’approche artistique de Jill est basée sur l’expérience personnelle, l’observation et un lien fort avec la société et les gens. Elle est passionnée par l’exploration des intersections entre l’écriture chorégraphique, la conception sonore et les collaborations d’échanges culturels. Le travail de Jill met l’accent sur l’authenticité et le réalisme, utilisant la danse pour communiquer des histoires sur la vie et l’identité. Elle met fortement l’accent sur la création d’œuvres inclusives et émotionnellement engageantes, même pour ceux qui ne sont peut-être pas familiers avec la danse contemporaine.

«Tout est question de suspension, de retenue et de lâcher prise.  Le mouvement est comme une machine, une fois qu’on la démarre, on la laisse faire son propre travail. Il se poursuit sans fin, telle une spirale qui s’envole de la terre.

Authenticité et instinct – comment défaire les nœuds et ouvrir des portes. Trouver l’identité et la personnalité dans le processus de déplacement à travers l’espace et le temps. Mon travail consiste à se perdre dans le monde réel et à rattraper l’âme et l’esprit dans un monde intérieur. Changer d’émotions, voyager avec elles. Jouer des personnages, les vivre, se retrouver en eux. L’atelier est un terrain de jeu où il n’y a pas de place pour le jugement. Tout se porte sur la confiance et la sincérité, sur la connexion avec l’autre, sur la réception, le don et l’échange.

Qu’est-ce qui m’inspire ? La vie et toutes ses émotions, des plus belles au plus poignantes. Déconstruire des murs afin d’apercevoir l’opposé et ainsi pouvoir trouver l’équilibre. Le noir, le négatif, le ciel couvert – y trouver de la couleur, un rayon de soleil. Je suis inspiré par des histoires, des personnes, la santé mentale, une émotion forte,… tant que je me sens connecté et que je ressens le besoin d’explorer la situation, je me lance. »

Dance virtuoso and choreographer, Sylvia Carmarda develops different universes and styles for each production. She endeavours to use her technique and boundless energy in the service of a physical and generous dance, notable for the carnal presence of the body. She then presents this in a choreographic and theatrical language of obvious force and sexuality.

Dans sa recherche chorégraphique, Sarah Baltzinger s’amuse à explorer toutes les voies possibles autour du corps marionnettique. Son langage se déploie au travers d’objets protéiformes qui naviguent entre théâtralité absurde et corps morcelés. Elle peuple ses différents travaux de créatures hybrides et de pantins mécaniques pour créer des objets libérateurs qui cherchent à révéler nos fragilités et aime utiliser le corps, en lien à différentes matières, comme un outil complexe de possibilités visant à transformer l’approche naturelle du mouvement pour créer des mondes étranges. Sa gestuelle explore la distorsion, les désarticulations, le geste mécanique et les combinaisons de corps. Dans son processus de création, elle tend à révéler les singularités de chacun en menant un véritable travail de recherche corporelle et théâtrale. 

Sarah Baltzinger mène un travail qui questionne l’impact de notre environnement et des conséquences qu’il exerce sur notre identité et notre intimité, la manière dont cela nous transforme et nous affecte, nous contrait ou nous libère. Elle questionne la manière dont nous nous présentons au monde et la manière dont le corps devient un vecteur de représentations plurielles, insaisissables et étonnants. Elle collabore étroitement avec l’artiste multi-disciplinaire Isaiah Wilson avec qui elle crée un binôme depuis plusieurs années.