3 DU TROIS | Le hasard de l’existence
THE GAME explore les manifestations des jeux à travers les pays, les cultures, les relations et les...
THE GAME explore les manifestations des jeux à travers les pays, les cultures, les relations et les...
Que se passe-t-il quand on dissocie le son du geste, la musique de la danse ? Quelle présence surg...
Deadline est un mélange de danse et de performance dans un espace mouvant qui plonge les interprèt...
Dans leur spectacle dynamique, Amber Pansters, Maasa Sakano et Matti Tauru jettent un regard sur leu...
YOUNG MOVERS c'est un tout nouveau programme d'atelier de danse et de mouvement tous niveaux pour les 15-35 ans où la danse ballet, la danse contempo...
Le collectif HEDO souhaite réunir des personnes de toutes générations ayant vécu de près ou de loin la problématique du départ afin de créer u...
Aurore Gruel souhaite, pour ce stage 55+ MOVERS, explorer et expérimenter la notion "d'alphabet dansé"...
Pour ce stage 55+ MOVERS, l’artiste Annick Pütz désire explorer avec les participant.e.s, les notions de périphérie et de centre en utilisant la...
© Bohumil Kostohryz
Le TROIS C-L soutient de nombreux artistes et chorégraphes du Grand-Duché à différents niveaux de leurs carrières professionnelles et autour de différents projets artistiques. Découvrez certain.e.s des artistes qui font la richesse de la scène chorégraphique contemporaine du Luxembourg.
Clio Van Aerde est une artiste transdisciplinaire qui met en lumière les nuances souvent ignorées de la vie quotidienne, explorant l’entrelacement des humains, des non-humains et des espaces qu’ils occupent. Son travail s’intéresse aux potentiels poétiques et subversifs de ces interactions, créant des environnements d’oisiveté, d’absurdité et de réflexion critique. Au cœur de son approche se trouvent des expériences incarnées, une conscience spatiale aiguë et une exploration de la temporalité. Ancrée dans des perspectives posthumanistes et féministes queer, la pratique de Van Aerde remet en question les normes de productivité, cherchant à transformer les perceptions du travail et de la performativité quotidienne tout en imaginant des réalités alternatives.
Brian CA est un artiste pluridisciplinaire basé au Luxembourg dont les travaux regroupent différentes techniques telles que la chorégraphie, la scénographie, la photographie, les arts numériques et les arts visuels. Sa recherche est basée sur la construction identitaire des individus et l’impact des facteurs psycho-émotionnels liés à leur environnement socioculturel et intime. Il cherche ainsi à créer des objets inter-disciplinaires en s’associant à des artistes et chercheurs d’horizons divers.
Il a été formé au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon et au Ballet Junior de Genève, avant de débuter sa carrière durant laquelle il interprète des œuvres de Hofesh Schechter, Wayne MacGregor, Andonis Foniadakis, Damien Jalet, (…) dans des compagnies telles que le Scottish Dance Theater, la Compagnie Grenade, Clod Ensemble, l’Opéra National du Rhin, (…). Il est également assistant et répétiteur pour Elisabeth Schilling (2020 à 2023), Jean-Guillaume Weis (2023) et Sarah Baltzinger (2023).
Sa première création ULTRA a été sélectionnée pour le TalentLab22 au Grand Théâtre de Luxembourg et sera créée en mai 2024 au Théâtre de la Madeleine, à Genève.
2024 /// INFRA
INFRA – Brian CA & COH – Teaser from Brian Ca on Vimeo.
2024 /// WE NEED TO FIND EACH OTHER
WE NEED TO FIND EACH OTHER – Teaser de recherche from Brian Ca on Vimeo.
Isaiah Wilson est un artiste expérimental basé au Luxembourg. Son travail combine la danse contemporaine, la vidéo, la composition de musique électronique et l’art numérique. Cette diversité de supports permet à Isaiah de créer des mondes uniques et immersifs dans lesquels il invite son public à vivre des expériences sensorielles à plusieurs niveaux, conçues pour révéler leur vulnérabilité et éventuellement les rapprocher d’eux-mêmes. Isaiah met un point d’honneur à ce que le public fasse partie de l’espace et, par conséquent, de la performance, que ce soit par la nature des sites qu’il choisit ou en réimaginant pour chaque performance le cadre dédié au spectateur. Isaiah crée des objets qui défient le corps humain, le plongeant dans des mondes qu’il construit à partir du chaos et de l’espoir. Dans une approche existentialiste et absurde, Isaiah désire explorer les multiples facettes des émotions humaines face aux avancées technologiques du XXIème siècle.
Giovanni se base sur les relations et le dialogue de l’humain à travers la danse. Son approche artistique multidisciplinaire se concentre sur la confiance du corps, guidée par son énergie inhérente où apparaissent les images, les mouvements et les émotions. Fasciné par la complexité de l’être humain, son travail explore l’instinct, l’identité et l’authenticité du mouvement, le transposant dans un univers poétique et absurde. Ces oeuvres se transposent dans des sujets sociaux, philosophiques, émotionnels et intemporels afin de les matérialiser dans un univers à la fois onirique et réel, entrechoquant le tragique et le comique, l’attendu et l’inattendu, la distorsion avec la grâce pour les faire rencontrer dans l’espace, le temps et les moments présents et en faire surgir l’humain par la danse.
Intéressé par la recherche, le partage et la transmission, il porte une importance à l’accessibilité de la danse, mêlant les différents arts et univers qui lui permettent de se rapprocher du public afin d’élargir et établir des possibilités artistiques. Son écriture et son langage chorégraphique sont en constante évolution, se questionnant à travers la curiosité et l’exploration afin d’affiner et de développer son univers.
2023 /// CREDERE by Giovanni Zazzera (Z Art production)
2022 /// CHUUUTE by Giovanni Zazzera (Z Art production)
2021 /// NEGARE by Giovanni Zazzera (Z Art production)
2022 /// (di)SPERARE by Giovanni Zazzera (Z Art production)
2021 /// OUT OF RANGE by Giovanni Zazzera & Saeed Hani (Z Art & mMITm production)
2017 /// FLOWERS GROW EVEN IN THE SAND by Giovanni Zazzera (Z Art production)
2019 /// Concours Chorégraphique Les lendemains qui dansent La Barcarolle – Prix du Jury pour FLOWERS GROW EVEN IN TE SAND
2013 /// Lëtzebuerger Danzpraïs award of the Ministry of Culture Luxembourg
« Je suis fascinée par la notion de tension absolue, inhérente à notre condition humaine ; cette idée tordue de besoins corporels versus vie spirituelle.
Je suis intéressée par les états émotionnels et physiques, et la manière dont ils génèrent le mouvement. Je suis intéressée par la collision entre le gracieux et le dissonant, le comique et le tragique, le grotesque et le transcendant.
L’aller retour constant entre la forme et le fond, le geste brutal.
Les constructions culturelles, les pulsions étouffées et l’absurdité de notre condition humaine dans sa forme la plus bizarre sont au centre de mon travail.
La danse y devient un outil pour questionner ce qui est insaisissable : cette chose qui nous rend pleinement humain ».
2024 /// In the bushes (teaser à venir)
2021 /// Starving Dingoes
2019 /// The Ephemeral life of an octopus
2015 /// love me tender
2023 /// Letzebuerger Danzpraïs
2020 /// Aerowaves 2020 with The Ephemeral life of an octopus
2016 /// Prix Arts et Lettre, Institut Grand Ducal
Par la sensualité, l’humour et la solidarité, la pratique de Tania et son travail s’inspirent de l’animisme et sont motivés par un réenchantement poétique, tout en étant en dialogue avec l’écologie politique, le féminisme, le décolonialisme et les théories et pratiques queer. Suite à des tensions, des blessures, des problèmes, des questions, des curiosités et des désirs, elle se préoccupe de régénération au niveau individuel, social et planétaire, parfois à travers la collectivité, la joie ou en utilisant l’imagination fictive pour faire face au présent et créer des possibilités.
2022 /// DJ Whimsy or what will the climate be like?
2021 /// Brave (K)New R/Wave) Listening Space
Plus d’infos ICI
2014 – 2016 Artiste en résidence – Artists’ Support Program, Conway Hall in Holborn, London.
2013 fonds stART-up par l’Oeuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte
2002 bourse Dance Web, tanzfestival
Elisabeth Schilling crée des danses au-delà de la danse. Avec une équipe internationale et à travers différentes collaborations, elle conçoit des projets transdisciplinaires entre le mouvement, le design, les arts visuels et plastiques et la musique, faisant danser les disciplines entre elles et les unes avec les autres. De cette façon, la danse contemporaine se produit dans des espaces de danse établis ainsi que dans des lieux inhabituels. Ainsi, les productions tournent aussi bien dans les métropoles européennes que dans des zones plus rurales, dans des théâtres clandestins, des musées, des galeries, des salles de concert, des bâtiments historiques et des espaces publics. La danse est ainsi, presque en passant, rendue accessible à un nouveau public. Parallèlement, une part importante de son travail consiste en différents formats d’apprentissage créatif. Pour chaque production, elle élabore un programme à l’intention de différents publics, allant de discussions spécialement conçues avec le public après les représentations à des ateliers d’accompagnement, des symposiums et des catalogues.
2020 /// HEAR EYES MOVES. Dances with Ligeti
2019 /// FELT
Elisabeth a remporté plusieurs prix : Dance Umbrella (‘Young Spark’), Bolzano Danza et AWL Mainz. Plus récemment, Elisabeth a été nominée pour une bourse au Centre for Ballet and the Arts / New York University.
« Artiste de danse et mouvement. Des thèmes récurrents dans l’œuvre d’Annick Schadeck sont la transformation, les frontières entre l’organique et l’inorganique, du mouvement et de l’immobilité, du temps et de l’espace, des couleurs et de la musique.
En quoi un mouvement est-il constitué à un moment donné et qu’en reste-t-il après sa disparition? Qu’est-ce qui constitue l’avant et l’après? Comment affecte-t-il le présent et comment se rapporte-t-il au temps et à l’espace?
Comment traduire la nature à travers un travail artistique? Comment la nature traduit-elle la forme humaine?
Que pouvons-nous tirer d’expériences momentanées et comment pouvons-nous les appliquer à des conclusions plus larges sur des questions de société et du vivre ensemble.»
2019 | LOCKER RUF
www.lockerruf.com
2021 | THOUGHT BY SIGNS
« Après avoir suivi une formation en danse classique, jazz et moderne au Luxembourg, Valerie Reding a étudié l’Architecture à l’École polytechnique fédérale de Zurich (ETHZ) et les Arts et Médias aux Universités des Arts de Zurich (ZHdK) et de Vienne (Angewandte). Parallèlement à ses études universitaires, elle a travaillé internationalement en tant que make-up artist dans la mode et le film, et a exploré l’art du drag dans le monde de la nuit à San Francisco et Zurich. Aujourd’hui, elle combine toutes ces expériences dans sa pratique artistique éclectique et transdisciplinaire qui combine et oscille entre le mouvement, la performance, la photographie, la vidéo, le texte et l’installation. Elle travaille de manière indépendante ou en collaboration avec d’autres acteuric.e.x.s culturel.le.x.s dans des contextes variés, allant des espaces aalternatifs aux théâtres, galeries et autres institutions culturelles, défiant toute forme de catégorisation du monde de l’art.
Intrigué.x par les complexités et les intersections entre le corps, la psychologie humaine, les relations interpersonnelles et les rrelations de pouvoir qui traversent nos sociétés et identités, Valerie Reding invoque le potentiel de la vulnérabilité, de l’auto-fiction, de la transformation, des rituels et du „camp“ pour explorer nos subjectivités et relationnalités avec une approche intersectionnelle sensible et remplie d’humour. »
2023 /// monsters /// multi-media installation with performance (30 minutes), teaser coming soon
2023 /// lovefool /// solo performance (25 minutes)
2021 /// m.a.d. – about you /// 20 min performance & 15 min talk (live online dance-video performance), video documentation available upon request
2020 /// m.a.d. /// 65mn stage performance /// Teaser 1, by Oil Productions
Teaser 2 by Ozelot:
2023: laureate of Cliché II by Oeuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte with the project monsters
2022: Werkstipendium der Tanzkommission der Stadt Zürich
2021: laureate of Cliché I by Oeuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte with the project HVNGRY for more
2020: Kulturelle Auszeichnung 2020 der Tanzkommission der Stadt Zürich for Valerie Reding’s artistic practice in the field of dance and performance
2019: Stipendium 2019 der SSA (Société Suisse des Auteurs) für choreografische Werke for Valerie Reding’s work m.a.d.
2017: fonds stART-up from Oeuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte for Valerie Reding’s choreographic work WILD CHILD
2016: Atelierstipendium San Francisco from the dance commission of the City of Zurich
Annick Pütz est artiste chorégraphique indépendante.
Sa démarche artistique consiste dans la recherche d’un langage chorégraphique simple, qui se détache du formel, pour accéder au relationnel. Les dernières années, elle s’est particulièrement passionnée dans sa recherche pour le développement de l’être humain et des forces de la vie naissante, ainsi que pour l’émergence d’images dans le processus de création et dans le vécu de celui qui regarde.
« En tant qu’observateur attentif, je m’inspire d’instants fugaces du quotidien : un échange de regards, un mot échangé entre inconnus dans un lieu public. Mon travail s’enrichit également de l’œuvre d’autres artistes et des événements marqués par mes expériences personnelles et mon ressenti.
J’aime explorer la danse en fusionnant les gestes ordinaires avec des mouvements chorégraphiques. En transformant la simplicité de nos gestes en expressions émotionnelles, je crée des personnages qui naissent d’une recherche de mouvement, alliant spontanéité et propositions artistiques plus structurées.
Mon art vise à créer des atmosphères cinématographiques. Bien que mes œuvres s’inspirent de faits réels, je désire transporter le spectateur dans un univers parallèle, hors du quotidien, ne serait-ce que pour un instant.
Je suis profondément fasciné par les rêves et leur absurdité. C’est cette étrangeté onirique que je cherche à capturer, en la mêlant à un imaginaire fantaisiste et à la réalité tangible que nous vivons chaque jour.
Même si je ne lis pas de poésie et que je n’en connais pas, je m’efforce de trouver une forme de poésie visuelle dans mes créations, une sorte de langage esthétique propre à mon univers.
Enfin, dès que l’occasion se présente, j’aime enrichir mes œuvres en y intégrant la création de costumes, qui complète et intensifie l’univers que je propose. »
2018 /// !MAKi!?
2020 /// Dance From Home video danse competition (LU)
« Dans mon travail, je m’intéresse à dire et à faire face à l’incertitude, au désordre, à l’irrésolu et à la complexité. Je souhaite décloisonner les espaces pour mieux me confronter à l’inconnu. Je cherche à créer des mondes percutants et existentiels, à la frontière entre la fiction et une réalité exacerbée. Surréaliste et fondamentalement ludique, ma pratique englobe la danse, le théâtre, la performance, les arts visuels, le dessin et l’écriture. »
2019 /// The Passion of Andrea 2
2011 /// Philip Nind Award (Ballet Education)
2017 /// Lëtzebuerger Danzpräis (Choreography)
Artiste accompagnée par la Fondation Cléo Thiberge Edrom (pour 3 créations)
Artiste associée à The Place, Londres (pendant 5 ans, 2021-2025)
Artiste associée au Escher Theater, Luxembourg (pendant 3 ans, 2020-2022)
Compagnie conventionnée depuis 2020 avec le ministère de la Culture, Luxembourg
« Ma curiosité réside dans la nature des interactions humaines, le potentiel de la danse à dépasser la linguistique, le genre, les barrières culturelles pour créer de nouveaux modes de connexion. J’utilise la narration pour atteindre chaque regard selon son expérience du Réel. Humour, insolence, et émotion pour questionner et explorer ce que signifie le fait d’Être dans tous ses paradoxes. Créer un lien direct entre le spectateur et l’œuvre. La danse est un média grâce auquel liberté, émotion et imagination peuvent être explorés pleinement, générer un questionnement sur nos habitudes, modes de fonctionnement, zones de confort. Elle nous permet de créer et de découvrir de nouvelles voies pour nous relationner au réel.
À un niveau plus personnel, la danse est une exploration de mon rôle et de mes objectifs dans le paradoxe de la vie, une création de sens là où il n’y en a pas, c’est découvrir l’absurde et magnifique nature d’être en vie. »
2020 /// AdH(A)rA
2021 /// DANCECUBATOR (No available trailer)
2021 /// RESON(D)ANCE (No available trailer)
2023 /// CLEMENTINE
2019 /// AUDIENCE PRIZE IPFF FESTIVAL ATHENS
« Sergio Mel, en tant que danseur, fonde son art sur la relation avec l’espace extérieur, dans un puissant mélange d’intensité et de fluidité, à la fois expressif et émotionnel. En tant que chorégraphe, son identité porte la marque de toute son expérience artistique, multiculturelle et pluridisciplinaire. Stimulé par les arts de la scène en général, il les croise pour créer un univers unique et plein d’énergie. »
2004 A Margem First prize Duo Contemporain Avance Festival Dança Ribeirão.
Hannah s’intéresse aux rituels contemporains et à la traduction des racines archaïques au sein de notre société. Ses œuvres chorégraphiques sont divisées en deux directions : « Taming Monsters » (recréations de thèmes de théâtre classique) et « Transformances ». Hannah réfléchit à l’eurocentrisme, au (post-)colonialisme, au racisme, au sexisme et se concentre sur l’intégration de la diversité, l’autonomisation des actions féministes et la fluidité des genres. Son langage chorégraphique mélange de manière créative des éléments de danse et de théâtre, de ballet, de danse-théâtre et de performance.
2015 /// H.E.R.O.E.S
2015 /// Dieu/Monstre
2016 /// Nutkracker- never grow up
2017 /// WANDERER
2018 /// SWAN
2019 /// Sylphides- humans- fishes- birds (pas de trailer disponible)
2021 /// ONDA- into the unknown
Gold Medal ÖTR_ Ballet Competition Vienna, AUT (1998)
Gold Medal Ballett Competition Györ, Hungary (1998)
Silver Medal International Ballet Competition Bologna, IT (1998)
Trierer Theatermaske, GER (2008)
Nomination Deutscher Engagementpreis, GER (2016)
Brückenpreis Rheinland-Pfalz, GER (2016)
Nomination Arte Laguna Prize, IT (2021)
« Le travail de Yuko Kominami consiste à expérimenter des mouvements situés dans l’entre-deux (mouvements du devenir) où les intensités des individus se croisent. C’est un lieu où se matérialisent des existences extrêmes et des métamorphoses inévitables. Et à travers ces expériences, elle vise à affirmer les connexions multiples et fragmentées d’une « vie ». »
« En tant que danseuse et interprète, je suis très intriguée par l’intelligence du corps et de ce fait par sa métamorphose dans l’espace et le temps. J’explore les limites en me demandant si ce sont réellement des limites.. J’aime observer longuement et après lâcher prise.»
« J’aime travailler avec le mouvement, l’art et la science d’une manière organique. Développant une recherche de la danse axée sur la science du mouvement, je me concentre actuellement sur l’exploration du tissu conjonctif fascial comme matrice vivante pour ré(dé)affiner l’entraînement, la performance et la création. Les résultats sont des pièces chorégraphiques contemporaines où la pensée analytique soutient et défie le mouvement formel et informel.»
2020 /// BLAST
2018 /// Form of a motion/Two to one
2017 /// UNDO
2013 /// JUNGALA
2010 /// Project O (for young audiences)
« Je me concentre principalement sur le corps et son potentiel intrinsèque de transformation ; son statut et son rayonnement dans la société, ainsi que sa présentation, sa représentation et sa perception sur scène. Mon travail se caractérise par un langage gestuel précis, incarnant et matérialisant des questions identitaires et des thèmes en phase avec notre époque pour les transmettre auprès du public. »
2023 /// Weaver
2021 /// Through the wire / https://annemareikehess.com/works/through-the-wire.html
(Vidéo trailer non disponible)
2020-2021 /// Dreamer
2018 /// Warrior
2012: Stiftung für junge Künstler (LU)
2014: « Tanz- und Theaterpreis der Stadt Stuttgart und des Landes Baden-Württemberg“ pour Palais idéal. En collaboration avec Miriam Horwitz.
2015: « Lëtzebuerger Danzpraïs” Ministère de la Culture du Luxembourg
Depuis 2016: Artiste associée à Weld Stockholm (SE)
2020-2023: Artiste associée à Neimënster (LU)
«HANI DANCE est une compagnie d’art du mouvement dynamique qui célèbre la diversité culturelle à travers des pièces de danse innovantes. Sous la direction de Saeed Hani, nous explorons les thèmes de la force, de l’esprit et de l’intellect et donnons vie à nos spectacles grâce à nos créations. En utilisant l’art nu, l’art visuel et la danse contemporaine, nous créons des récits captivants enracinés dans l’histoire et l’expérience humaines. Avec une grande attention aux détails, nous mettons en scène des mouvements qui repoussent les limites et invitent le public à se connecter profondément à nos histoires. À travers notre art, nous cherchons à stimuler l’imagination et à inspirer une réflexion sur la beauté et la complexité de la condition humaine.»
Avec la compagnie Corps In Situ, Jennifer crée, explore, rencontre, joue et danse sur scène, dans l’espace publique, les écoles, etc partant à la rencontre des publics à travers des créations aux formes multiples et avec une attention particulière aux plus jeunes. L’univers chorégraphique est à la fois visuel, musical et sans paroles, rendant les créations accessibles aux jeunes et tout public quelque soit l’âge, l’origine géographique ou sociale. La gestuelle est dynamique, empreinte de physicalité et nourrie par la collaboration des artistes avec lesquels elle travaille.
« Installée au Luxembourg et dans le Gard, la cie Eddi van Tsui revendique une pluridisciplinarité entre danse, musique, théâtre, installations et vidéo. Foisonnante, ayant à son actif plus de 50 projets à la jonction de la création scénique et des arts plastiques, elle fait appel à des structures narratives qui, oscillant entre abstraction et réalité, laissent place à l’interprétation et à la réflexion.
La compagnie est portée par trois artistes. Inspirée par le théâtre d’image, le théâtre documentaire et la danse contemporaine, Sandy Flinto met en scène les pièces du trio qu’elle co-écrit et dont elle fait la direction chorégraphique. Depuis 2010, Pierrick Grobéty se spécialise dans le spectacle vivant et l’installation. Il y développe des dispositifs sonores et musicaux conceptuels et techniques spécifiques à chaque projet. Daniel Marinangeli analyse la société contemporaine et la condition humaine pour la retranscrire à travers l’écriture et la construction dramatique. »
2023 /// La vie quasi éternelle d’un ballon gonflable /// pièce
2022 /// Art.13 Runway /// performance
2020-2021 /// Ecological Anxiety Disorder /// pièce
2018 /// Art.13 /// pièce
L’approche artistique de Jill est basée sur l’expérience personnelle, l’observation et un lien fort avec la société et les gens. Elle est passionnée par l’exploration des intersections entre l’écriture chorégraphique, la conception sonore et les collaborations d’échanges culturels. Le travail de Jill met l’accent sur l’authenticité et le réalisme, utilisant la danse pour communiquer des histoires sur la vie et l’identité. Elle met fortement l’accent sur la création d’œuvres inclusives et émotionnellement engageantes, même pour ceux qui ne sont peut-être pas familiers avec la danse contemporaine.
2024-2025 /// THE GAME – GRAND FINALE
2021 /// SAHASA (jeune public)
2020 /// JINJEON
2020-2021 /// I(CE)(S)CREAM – BOLERO FEMME
2020 /// BOLERO
2018 /// SIEBEN
2018 /// NILYNDA (video danse)
2017 /// Zement, the solo
2016 /// The Hidden Garden
2016 /// MATKA (jeune public)
La totalité des pièces de Jill Crovisier est à retrouver sur son site internet ICI
2021 /// Prix de la meilleure cinématographie pour le clip Tulipe de Ryvage au Los Angeles Experimental dance and Music Film Festival, États-Unis (chorégraphe et danseuse)
2019 /// Prix luxembourgeois de la danse
2019 /// Prix d’honneur de la Ville de Rumelange, Luxembourg, pour des réalisations exceptionnelles dans le domaine de la danse et de la chorégraphie
2018 /// Prix de la production du CICC au concours international de chorégraphie de Copenhague avec Zement, the solo (chorégraphe+danseur)
2018 /// Prix de Francfort au Solocoreografico Torino avec Zement, the solo (chorégraphe+danseur)
2019 /// Prix PEARLS à la POOL Internationale TanzFilm Platform Berlin avec le court métrage de danse NILYNDA, Allemagne (vidéographe + chorégraphe)
2014 /// Prix de la meilleure performance de danse pour Bekitzor par Kadima Projects Australia au Fringe Festival Adelaide, Australie (danseur)
«Tout est question de suspension, de retenue et de lâcher prise. Le mouvement est comme une machine, une fois qu’on la démarre, on la laisse faire son propre travail. Il se poursuit sans fin, telle une spirale qui s’envole de la terre.
Authenticité et instinct – comment défaire les nœuds et ouvrir des portes. Trouver l’identité et la personnalité dans le processus de déplacement à travers l’espace et le temps. Mon travail consiste à se perdre dans le monde réel et à rattraper l’âme et l’esprit dans un monde intérieur. Changer d’émotions, voyager avec elles. Jouer des personnages, les vivre, se retrouver en eux. L’atelier est un terrain de jeu où il n’y a pas de place pour le jugement. Tout se porte sur la confiance et la sincérité, sur la connexion avec l’autre, sur la réception, le don et l’échange.
Qu’est-ce qui m’inspire ? La vie et toutes ses émotions, des plus belles au plus poignantes. Déconstruire des murs afin d’apercevoir l’opposé et ainsi pouvoir trouver l’équilibre. Le noir, le négatif, le ciel couvert – y trouver de la couleur, un rayon de soleil. Je suis inspiré par des histoires, des personnes, la santé mentale, une émotion forte,… tant que je me sens connecté et que je ressens le besoin d’explorer la situation, je me lance. »
RAUM
DEAR MUM
2023 /// BABY
2018 /// Lauréat – RENCONTRES CHORÉGRAPHIQUES “A PAS DE LOUP”, Combaillaux Hérault
Début 2022, William est nommé pour le prix Reumert au Danemark en tant que meilleur danseur 2021.
Dance virtuoso and choreographer, Sylvia Carmarda develops different universes and styles for each production. She endeavours to use her technique and boundless energy in the service of a physical and generous dance, notable for the carnal presence of the body. She then presents this in a choreographic and theatrical language of obvious force and sexuality.
Dans sa recherche chorégraphique, Sarah Baltzinger s’amuse à explorer toutes les voies possibles autour du corps marionnettique. Son langage se déploie au travers d’objets protéiformes qui naviguent entre théâtralité absurde et corps morcelés. Elle peuple ses différents travaux de créatures hybrides et de pantins mécaniques pour créer des objets libérateurs qui cherchent à révéler nos fragilités et aime utiliser le corps, en lien à différentes matières, comme un outil complexe de possibilités visant à transformer l’approche naturelle du mouvement pour créer des mondes étranges. Sa gestuelle explore la distorsion, les désarticulations, le geste mécanique et les combinaisons de corps. Dans son processus de création, elle tend à révéler les singularités de chacun en menant un véritable travail de recherche corporelle et théâtrale.
Sarah Baltzinger mène un travail qui questionne l’impact de notre environnement et des conséquences qu’il exerce sur notre identité et notre intimité, la manière dont cela nous transforme et nous affecte, nous contrait ou nous libère. Elle questionne la manière dont nous nous présentons au monde et la manière dont le corps devient un vecteur de représentations plurielles, insaisissables et étonnants. Elle collabore étroitement avec l’artiste multi-disciplinaire Isaiah Wilson avec qui elle crée un binôme depuis plusieurs années.
2022 /// MEGASTRUCTURE
2023 /// Vénus anatomique
> 2018 : Sélection TALENT LAB par Les Théâtres de la Ville de Luxembourg – WHAT DOES NOT BELONG TO US
> 2021 : Sélection Petites Scènes Ouvertes PSO – Artiste sélectionnée Plateforme Grande Scène – DON’T YOU SEE IT COMING
> 2022 : Lauréate de la Bourse chorégraphique de fin de résidence à Annonay avec Vénus Anatomique
> 2023 : RIDCC with MEGASTRUCTURE
XL production Award – Scapino Ballet Rotterdam & RIDCC
NDT partner Award
Skånes Dansteater award
Sally Maastricht Award
Maas Theater En Dans Award
> 2024 : AEROWAVES TWENTY 24 with MEGASTRUCTURE